L’episodio più bello di Love, Death and Robots è stato “una lettera d’amore a Moebius”

Volume 3 di Amore, morte e robot copre molto terreno: inquietanti paesaggi alieni, mostri marini spaventosamente realistici, simpatiche apocalissi di zombi. Ma, nonostante tutto, un episodio in particolare riesce a spiccare: “The Very Pulse of the Machine”. È un cortometraggio animato bellissimo e solitario su un’astronauta di nome Martha (Mackenzie Davis) intrappolata su Io, una desolata luna di Giove, mentre forse è anche in comunione con la Luna – o forse ha solo allucinazioni. Si basa su un racconto omonimo di Michael Swanwick e presenta uno stile artistico chiaramente ispirato al compianto artista francese Jean “Moebius” Giraud.

Dopo la premiere della nuova stagione, ho avuto la possibilità di parlare con Emily Dean, che ha diretto l’episodio, di come sono nate le immagini, le sfide dell’adattamento del racconto e perché si è trovata a vagare per una spiaggia indossando abbigliamento da motociclista. Anche, avviso spoiler: discutiamo del finale dell’episodio e di cosa significhi in definitiva.

Questa intervista è stata leggermente modificata per chiarezza.

Qual è stato il tuo primo contatto con questo racconto? Lo sapevi in ​​anticipo?

Sono stato invitato da Blur Studio per leggere un sacco di racconti che stavano prendendo in considerazione per il secondo volume. Ne ho letti molti e sono arrivato a “The Very Pulse of the Machine”. E mi sono innamorato della storia fin dall’inizio.

Che cosa si è distinto? C’era qualcosa che pensavi avrebbe funzionato particolarmente bene per un adattamento come questo?

Sono stato davvero attratto dall’elemento psicologico della storia e dall’idea di questa donna astronauta bloccata su questa luna che cerca di sopravvivere. E ho davvero amato il punto di vista femminile, ma ho anche amato questa conversazione che questo personaggio ha avuto con questa entità sconosciuta nel corso della storia. E ho pensato che fosse molto esistenziale, non solo per la natura fisica del tentativo di sopravvivere su una luna desolata, ma, sai, per essere in conversazione con qualcosa di più grande di se stessi. L’ho trovato molto interessante.

Sembra che alcune di quelle cose potrebbero essere difficili da tradurre in animazione. Nel racconto, ci sono molti dialoghi interni. Come ti sei avvicinato a far passare quell’elemento psicologico in un mezzo visivo come questo?

Quindi Michael Swanwick, l’autore del racconto, ha riconosciuto che questa era una storia molto difficile da adattare per un film. E un grande merito è dovuto a Philip Glass, lo sceneggiatore che ha scritto la sceneggiatura di questo racconto. Perché, nel racconto, c’è più di un’interiorità nel personaggio, ed è molto difficile da ritrarre in una sorta di terza persona nel cinema perché sei fuori dal personaggio a guardare il personaggio attraversare queste lotte . Quindi è stata una grande sfida. In realtà abbiamo dovuto ridurre un po’ i dialoghi, le chiacchiere e così via, ed esternare molte delle emozioni interiori che Martha stava provando. E molto di questo è venuto dall’interpretazione di Mackenzie Davis e dall’aver messo davvero molto in quel lavoro vocale – e anche nell’animazione del personaggio stesso che lotta in questo ambiente e nell’aumentare la posta in gioco dell’ambiente e nel creare il mondo sentirsi molto pericoloso.

Immagino tu abbia visto il post sul blog che ha scritto Michael lodando questo adattamento. Come ti sei sentito? Sembrava davvero entusiasta di quello che voi ragazzi avete fatto.

È stato un grande onore, onestamente, e una bella sorpresa.

Immagine: Netflix

Tornando a ciò di cui stavi parlando con le performance vocali, come hai deciso come volevi che suonasse l’entità Io? Nella mia testa, la voce era molto meno umana e più criptica.

Nell’animazione, nella fase di storyboard, quando mettiamo insieme l’animatic, facciamo quello che viene chiamato scratch vocals, dove possiamo testare diverse letture. E, inizialmente, abbiamo sempre avuto quella voce monotona molto robotica. Ma abbiamo scoperto che era molto acrobatico e sembrava che non stessimo trasmettendo la poesia, il movimento e il ritmo dell’intera storia. Quindi abbiamo finito per andare con [Holly Jade] ed è stata assolutamente fantastica.

Come ti sei accontentato dello stile visivo? Sento che avrebbe potuto diventare una sorta di stile visivo più oscuro e desolato rispetto a Moebius, che è molto vivace e luminoso.

Il mio stile personale è molto influenzato da Moebius e amo il colore. Ma, dal mio primo lancio, sono entrato e ho detto: “Mi piacerebbe fare una lettera d’amore a Moebius”. E mi sono sentito come se non fosse esattamente un eroe sconosciuto della fantascienza, ma l’ho sentito, con Amore, morte e robot — a causa della sua connessione con Metallo pesante rivista — era un posto adatto per provare il suo stile sullo schermo, cosa che non vedevo davvero fare da molto tempo. Fin dal mio primo lancio, sono arrivato con molte opere d’arte che hanno richiamato Moebius. E ho detto: “Credo in questa storia per i suoi elementi psicologici, per la sua comunicazione con il mondo esterno”, che è una specie di tematica per Moebius e il suo lavoro, in particolare il suo 40 giorni nel deserto. Si prestava molto bene a questo stile visivo psichedelico.

Com’è stato inventare alcune di quelle scene allucinogene?

C’è stato un sacco di brainstorming. Nel mio primo passaggio, sono rimasto fedele alla storia di Michael Swanwick e abbiamo scoperto che stava diventando molto lungo. E, in secondo luogo, volevamo spingere un po’ di più alcuni elementi per catturare l’essenza della storia, più che una traduzione letterale. Quindi, nei passaggi successivi, andavo nell’area di modifica, chiudevo la porta e disegnavo; metti la musica e disegna qualsiasi sensazione che ho avuto dalla storia, dalla sceneggiatura, e mettila negli storyboard. C’erano un sacco di idee folli, come gli astronauti giganti in giro. E quelle idee alla fine sono state ridotte, e ne vedi un po’ nelle sequenze allucinanti.

Ma, per me, volevo davvero catturare questa sensazione sott’acqua. Perché, per me, crescendo in Australia, andavo a nuotare, e sono sempre rimasto stupito di quanta vita ci fosse sott’acqua e di come eri in un mondo diverso e di come hai uno strato superficiale rispetto al mondo e poi un sottosuolo strato. E tutta questa storia, per me, riguardava come le cose non siano tutte come le vedi in superficie. Potrebbe essere una luna desolata, ma sotto c’è una vita fiorente.

Ricordi qualche idea un po’ troppo stravagante per farla diventare il prodotto finale?

C’erano alcuni limiti tecnologici. Ad un certo punto, ho immaginato che Martha si stesse sciogliendo completamente, il suo corpo si stava sciogliendo in questo modo psichedelico. E lei continuava a camminare mentre pezzetti di globi cadevano, fluttuando dal suo corpo. E ciò si è rivelato molto difficile da fare. Ma sentivamo anche che, creativamente, probabilmente ci stavamo allontanando un po’ dalla storia.

Immagine: Netflix

Hai lavorato con Polygon su questo. Ci sono state difficoltà particolari nel tradurre lo stile Moebius in 3D?

Quindi le Polygon Pictures in Giappone sono fantastiche. E do loro un’incredibile quantità di lodi per tutto il loro duro lavoro. Ma provengono da un background di anime, quindi, introducendo questo stile completamente diverso, che è molto francese, in realtà abbiamo dovuto lavorare con alcuni artisti francesi per iniziare con alcuni concept art, solo per dimostrare la differenza di sensibilità . Da un punto di vista creativo, c’è stata una sorta di formazione per il team dello studio in questo nuovo look, il che significava davvero tornare ai fondamenti dell’arte, il che è stato davvero divertente perché ero solito fare insegnamento sostitutivo. Quindi è stato un po’ divertente per me.

E poi, dal punto di vista tecnologico, anche quello è stato molto difficile. Credo che Polygon abbia dovuto creare un’intera serie di nuovi strumenti nel proprio software e riconfigurare la propria pipeline in molti modi per accogliere questo progetto. Per tornare un po’ indietro, ho lanciato per la prima volta questo progetto nell’estate del 2019 con l’idea che questo pezzo sarebbe stato parte del secondo volume. Ma a causa della pandemia, e anche per la difficoltà tecnologica di questo pezzo, è stato spinto al terzo volume. E così, c’era un sacco di avanti e indietro su cose come dove ogni linea dovrebbe essere sulla faccia di Martha e il peso della linea di tutto, perché è molto facile quando hai così tante linee sullo sfondo e sul personaggio da perdere messa a fuoco o che le immagini diventino molto impegnate. E poi integrando il personaggio con l’ambiente.

Anche il colore è stata una grande conversazione per noi. E sono molto orgoglioso del lavoro sui colori che è stato fatto su questo pezzo. Lo zolfo solido è giallo e quando è fuso emette questo tipo di colore blu iridescente. E così, l’abbiamo usato come modello per l’intero script del colore. E l’intero viaggio della storia attraverso il colore è questo tipo di tavolozza di colori da mezzogiorno alla notte, cosa che volevo fare perché volevo mostrare come, quando lo vedi da una prospettiva diversa, lo vedi in modo completamente diverso. Quella che sembra una luna desolata e sulfurea brulica di vita.

Oltre ad appianare quei dettagli tecnici e artistici, ci sono stati altri modi in cui hai sfruttato quel tempo extra?

Dovevo andare in Giappone per lavorare con il team di Polygon, ma ovviamente il viaggio non sarebbe avvenuto. E gli animatori avevano bisogno di riferimenti su come un astronauta si sarebbe mosso attraverso un deserto nello spazio. Così sono andato a indossare un casco da motociclista e l’abbigliamento da moto, ho preso un peso e cinghie e sono andato alla spiaggia di Santa Monica e mi sono filmato mentre trascinavo quello che sarebbe stato lo standard per un cadavere in giro sulla spiaggia e cadevo e facevo da solo lavoro acrobatico di base, che è stato molto divertente. Ma era per mostrare il peso del corpo, come il corpo si stanca di trascinare un peso pesante su una superficie sabbiosa. Abbiamo anche avuto conversazioni sul fatto che la gravità è diversa su Io rispetto alla Terra. Ma volevamo andare con qualcosa che fosse credibile. Quindi abbiamo scelto di andare con qualcosa di un po’ più vicino alla gravità terrestre.

In entrambe le versioni della storia, il finale è piuttosto ambiguo e lasciato al lettore o allo spettatore. Hai un’opinione su cosa è successo a Martha?

Ho scelto di portare il finale un po’ più in là di quanto ha fatto Michael nel suo racconto. Nel racconto, salta e vola, e questo è tutto ciò che sappiamo. Tuttavia, volevo la soddisfazione di vedere cosa c’era sotto quella lava e cosa c’era sotto la superficie, o almeno accennare. E così, seguiamo Martha mentre scende nelle profondità. E, secondo me, si fonde con Io. La domanda su cui non ero così concentrato era se si fondesse con Io. Ma, soprattutto, se si fonde con Io, è ancora Martha? Questo è ciò che volevo lasciare al pubblico.

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